2019 – Page 3 – Le Martimpression

24 avril 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

« Miranda », la noyée était en noir

e Miranda, seul personnage féminin de l’ultime pièce de Shakespeare, « La Tempête », la librettiste Cornelia Lynn et la metteure en scène Katie Mitchell ont tiré une libre adaptation contemporaine. Elles en ont fait un drame musical sur des partitions d’Henry Purcell sélectionnées par Raphaël Pichon pour son ensemble Pygmalion. « Miranda » est une œuvre intense. Son effet de surprise bouscule l’ordre patriarcal comme une nécessité vitale. La distribution et l’orchestre sont au top.

Miranda (Kate Lindsey), la "noyée" vient régler ses comptes avec son père Prospero (Henry Waddington). Photo Pierre Grosbois. — *Miranda (Kate Lindsey), la « noyée » vient régler ses comptes avec son père Prospero (Henry Waddington). Photo Pierre Grosbois.*

Le théâtre et son double musical constituaient à l’époque de Purcell (1659-1695) un genre appelé semi-opéra. Katie Mitchell et Cornelia Lynn le reprennent à leur compte dans une création transposée dans l’Angleterre d’aujourd’hui. Elles ont élaboré une trame à partir de la personnalité de Miranda, la fille de Prospero dans l’œuvre de Shakespeare, dont elles imaginent un retour plusieurs années après la fin de la pièce.

Cette intrigue se calque sur un choix de musiques de Purcell. Raphaël Pichon a puisé notamment dans « The Tempest », évidemment inspirée du dramaturge élisabéthain; aussi dans « The Fairy Queen » et autres œuvres de scène du compositeur. S’y ajoutent quelques pièces vocales et instrumentales de Matthew Locke et aussi d’anonymes.

Commando

L’intérieur d’une chapelle moderne et dépouillée. Seuls quelques tableaux géométriques rompent la sobriété de béton. Un office funèbre se prépare. La défunte est Miranda. Partie en mer, on ne l’a pas revue. La thèse du suicide entretient les commentaires. D’emblée, la tension est palpable. Prospero est irritable. Anna, sa jeune épouse enceinte, en subit les conséquences. Anthony, le fils de la noyée, est mutique. Ferdinand, le mari, est décomposé par son brusque veuvage.

On s’avance vers une cérémonie dominée par le chagrin. Mais des signes menacent l’ordonnancement : des bruits de bousculade au dehors ; l’incursion d’une jeune femme qui veut s’emparer du portrait de la disparue. Soudain surgit une mariée, le visage masqué de noir sous le tulle. Elle brandit un pistolet. Elle n’est pas seule. L’accompagne quatre personnes, cagoules et vêtements sombres, tel un commando d’indépendantistes corses. Elles tiennent en otage l’assemblée, qui va devoir entendre la véritable histoire de Miranda.

On devine sous le voile la « noyée ». Elle a simulé sa disparition pour mettre Prospero devant ses responsabilités d’un père mal aimant, indifférent au viol qu’elle a subi _ l’auteur semble bien être Caliban le serviteur de la maison _, un père enfin empressé d’imposer un mariage précoce. Il en faudrait plus pour ébranler le patriarche, au contraire d’un mari suppliant. L’espoir vient du jeune Anthony qui retrouve sa mère ; d’Anna aussi qui veut envisager l’avenir avec Prospero et leur enfant à naître. Mais ce sont de sombres desseins qui animent le père de Miranda. A la mesure des désillusions d’un temps qu’il a cru égoïstement heureux.

Féministe

La musique s’immisce somptueusement poignante tout au long de ce drame où le jeu théâtral superpose l’action présente et l’évocation du passé, où au noir du deuil se substitue le noir vengeur et, finalement, libérateur. Il témoigne d’une défense en quête d’un amour désespéré de la part d’une jeune femme qui n’a que le tort de susciter les regards masculins.

La création de « Miranda », il y a dix-huit mois à l’Opéra Comique, a divisé la critique parisienne. Le propos volontairement féministe de Katie Mitchell a indisposé certaines plumes. On peut s’en étonner devant la sincérité de la démarche, qui concerne tout le monde, dans un spectacle tenu de bout en bout. La voix de la mezzo Kate Lindsey offre à Miranda cette plainte rageuse de larmes bridées.

Katherine Watson, soprano, incarne une Anna touchante d’attention et d’embarras mêlés. Son « Alleluia », dont elle prend le relais d’un Anthony trop ému (belle prestation inspirée du jeune Arsène Augustin de la Maîtrise de Caen), est magnifique d’intensité. Romain Bockler est parfait en pasteur réconciliateur contrarié. Son rôle de Ferdinand est limité, mais le ténor Rupert Charlesworth dévoile un timbre remarquable de nuances. Henry Waddington a toute l’autorité d’un chef de famille, ébranlé au final.

Raphaël Pichon dirige un chœur et un orchestre au mieux de leur forme. Ils assurent une concentration sans répit par des continuos et rythmes sans failles (les tambours de la procession funèbre) et des phrasés lumineux des cordes. Ce qui n’est pas un moindre exploit dans une atmosphère de demi-jour qui enveloppe ce semi-opéra.

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« Miranda », représentations données mardi 23 et mercredi 24 avril 2019 au théâtre de Caen.

23 avril 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

Haydn, Mozart, Beethoven, tiercé gagnant

Le soleil généreux du jour de Pâques offrait une délicieuse soirée propice au concert, le deuxième de cette édition 2019 du festival deauvillais. L’affluence était sensiblement plus importante que la veille. Haydn, Mozart, Beethoven sont des valeurs sûres. Mais elles n’expliquent pas plus de remplir ou presque la salle Elie-de-Brignac que Schumann, Brahms ou Mendelssohn.

Les interprètes du Septuor de Beethoven, de gauche à droite; Julien Chauvin, Pierre-Eric Nimylowycz, Michele Zeoli, Victor Julien-Laferrière, Nicolas Chedmail, Javier Zafra, Toni Salar-Verdù. (Photo Claude Doaré).

Doit-on avancer que l’esprit de découverte n’anime pas tous les auditeurs du festival ? Le quatuor vocal L’Archipel est encore tout jeune, alors que les interprètes de cette soirée dominicale ne sont plus des inconnus des mélomanes. Le violoniste Julien Chauvin, le violoncelliste Victor Julien-Laferrière et même le claveciniste Justin Taylor ont déjà un « palmarès » imposant.

Le programme germanique, comme la veille, constitue un « classique » de la musique de chambre, dont Joseph Haydn est le précurseur. Julien Chauvin fréquente ses partitions depuis un bon moment et même intensément depuis bientôt trois ans. Le chef du Concert de la Loge s’est engagé avec son autre formation, le Cambini-Paris, à jouer l’intégrale des soixante-huit quatuors du compositeur.

Cette « Route 68 » a commencé en novembre 2016. Elle est accueillie régulièrement au théâtre de Caen, à raison de trois concerts et neuf interprétations par saison. Cela nous entraîne à l’horizon 2024. Le prochain rendez-vous est dès ce jeudi 25 avril. Entretemps, Julien Chauvin aura pris le temps de se rendre à Saint-Etienne, où il dirige la production de « Cendrillon » de Nicolas Isouard.

Mais revenons à « Papa Haydn », qui inaugure un pianoforte en cette année 1788. Il écrit une série de trios pour cet instrument nouveau. Celui utilisé pour ce concert lui ressemble probablement. Il a gardé la forme d’un clavecin mais sonne bien sûr différemment avec ses cordes frappées et non plus « pincées ». Il s’en dégage une sonorité délicate, presqu’enfantine sous les doigts fulgurants de Justin Taylor.

Le jeune pianiste a déjà travaillé avec Julien Chauvin, notamment pour des Sonates de Mozart et Beethoven. Le violoncelle de Victor Julien-Laferrière s’adjoint subtilement aux deux autres instruments pour une interprétation aux nuances chantantes du Trio n°26 en do mineur.

Le Quatuor n°2 pour piano et cordes en mi bémol majeur de Mozart précède de deux ans le Trio de Haydn. Mais le protégé du prince Esterhazy a déjà fait du quatuor une forme musicale bien élaborée. Dans l’œuvre de son benjamin, l’alto y a bien sa place _ ici joué par Pierre-Eric Nimylowycz, membre du Cambini-Paris _ mais pas de deuxième violon. Le quatrième instrument est le piano. On se rapproche ainsi d’un mini-concerto. Au fil des trois mouvements, s’engage une conversation, d’où le pianoforte s’échappe comme dans une réflexion à voix haute pour revenir à un dialogue serein et jovial. Le piano s’éclipse pour la dernière œuvre du programme. Pour son Septuor opus 20, Beethoven convoque la famille des cordes, que rejoint le contrebassiste Michele Zeoli, et trois vents _ clarinette, basson, cor.

L’infatigable Julien Chauvin est toujours à la manœuvre pour ce septuor né avec le XIXe siècle. C’est toujours de la musique de chambre, mais on s’approche aussi de la symphonie. L’intervention de la clarinette de Toni Salar-Verdù, du basson de Javier Safra et surtout du cor de Nicolas Chedmail, donne une atmosphère de kiosque d’une station thermale d’Europe centrale. Avec ce pétillant final revigorant chaleureusement salué.

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Concert donné le dimanche 21 avril 2019, salle Elie-de-Brignac, à Deauville.

22 avril 2019Xavier Alexandre 2 commentaires

Oceano Vox à Deauville

Avec le jeune quatuor vocal L’Archipel, le Festival de Pâques de Deauville a offert à la voix d’ouvrir sa 23^e édition. Tout comme, il la chargera d’en faire la clôture par les soins de la Chapelle Harmonique pour La Passion selon Saint Jean de Bach. Entretemps, il y aura aussi Ambroisine Bré dans un programme de chansons de Ravel et Chausson. La révélation de jeunes talents est dans l’esprit même de ce rendez-vous deauvillais. Cette première soirée n’y a pas manqué.

*Mariamielle Lamagat, Adèle Charvet, Mathys Lagier, Edwin Fardini; en arrière plan: Guillaume Bellom et Ismaël Margain; (Photo Claude Doaré).*

On connaît déjà Adèle Charvet. Oh, ça n’est pas bien vieux. Il y a un an, dans cette même salle Elie-de-Brignac, la mezzo-soprano avait frappé les esprits par sa présence scénique, un timbre chaleureux quasi envoûtant. C’était dans un récital Copland-Barber avec le Quatuor Hermès et dans des lieder d’Alban Berg. Elle ne cesse depuis de confirmer cette heureuse impression. Avec elle et trois autres jeunes chanteuse et chanteurs s’est constitué avec un quatuor. Il répond au nom de L’Archipel, dont on mesure la dimension métaphorique.

La soprano Mariamielle Lamagat et le baryton Edwin Fardini finissent tout juste leur formation supérieure au Conservatoire de Paris, mais déjà l’un et l’autre comptent un palmarès flatteur et une expérience de la scène. Passé par les ensemble Pygmalion de Raphaël Pichon et le chœur Accentus de Laurence Equilbey, le ténor Mathys Lagier bénéficie d’une pratique de concerts et d’opéras, construite sur un apprentissage précoce.

Tous les quatre se retrouvent dans cette merveilleuse pépinière qu’est la Fondation Singer-Polignac. Le Festival de Pâques et l’Août musical en sont les échos réguliers et attendus. L’Archipel entend explorer un large éventail du répertoire vocal incluant le jazz et le gospel. Mais là, pour l’une de ses premières sorties en public, il se concentre sur un programme allemand pur XIXe, exception faite du compositeur français Florent Schmitt et de ses « Chansons à quatre voix » (1903).

Des pages « so romantic » donc. Avec, sans aller jusqu’aux « orages désirés » de Chateaubriand, toute une palette de sentiments portés par des voix combinatoires : souple et délicate chez Mariamielle Lamagat ; affirmée et sensuelle chez Adèle Charvet ; nette et chaleureuse chez Mathys Lagier ; puissante et troublante chez Edwin Fardini. Les « Spanische Liebeslieder » (chants d’amour espagnols) de Robert Schumann en donnent la tonalité. Y répondent en deuxième partie les « Neue Liebenslieder Walzer » de Johannes Brahms. Le rapprochement s’impose quand on sait la grande estime réciproque des deux compositeurs, en dépit d’une génération d’écart.

La complicité quasi gémellaire des deux pianistes habitués des lieux, Guillaume Bellom et Ismaël Margain, ajoute à la cohérence de ce récital au partage équilibré des voix, avec toutefois des réserves sur les chansons de Schmitt. Les textes de Musset étaient difficilement compréhensibles dans cet élan vocal, dominé par le grave. On ne captait pas la fantaisie annoncée. Mais, on retient parmi des moments forts les duos entre la soprano et la mezzo, en particulier les « Drei Duette » de Brahms et le « Ich und du » (moi et toi) de Peter Cornelius. Et c’est aussi sur un magnifique final des « Liebeslieder » de Brahms que se conclut ce concert d’ouverture.

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Concert donné le samedi 20 avril 2019 à la salle Elie-de-Brignac, à Deauville. Il a été retransmis en direct sur les ondes de France Musique dans l’émission d’Odile Sambe de Ricaud. Il est possible de l’écouter ou le réécouter sur le site de la station. Rappelons que tous les concerts des différentes éditions du festival de Pâques et de l’Août musical sont aussi accessibles gratuitement à l’écoute sur music.aquarelle. i

27 mars 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

« Un instant », magie à remonter le temps

Après avoir affronté avec succès « Les Frères Karamazov », le roman-fleuve de Dostoïevski, Jean Bellorini revient à Caen avec un autre exploit : porter au théâtre l’écriture de Marcel Proust. Certes, il ne s’agit que des premières pages de « La recherche du temps perdu », où l’auteur évoque la mort de sa grand-mère. Placée en regard des propres souvenirs de la comédienne Hélène Patarot, rescapée des « boat people », l’introspection proustienne est partagée avec le comédien Camille de la Guillonière. Le spectacle offre une réflexion poignante et pénétrante sur la disparition d’un être cher.

*Hélène Patarot et Camille de la Guillonnière, les deux comédiens de « Un Instant ». (photo Pascal Victor/ArtComPress)*

La chance sourit aux audacieux, dit-on. Jean Bellorini est de ces metteurs en scène qui osent. Avec discernement. Une fois de plus, le directeur du Théâtre Gérard-Philipe, à Saint-Denis, convainc. Comme il avait pu le faire avec « La Bonne Âme du Se-Tchouan » de Bertold Brecht, puis « Karamazov », accueillis au théâtre de Caen, respectivement en janvier 2015 et en décembre 2016. C’est lui aussi, qui a réalisé la mise en scène de l’opéra « Rodelinda » par le Concert d’Astrée d’Emmanuelle Haïm, vu en début de cette saison 2018-2019.

Franchement, on pensait le monument de la littérature qu’est « La Recherche » réservé à la lecture seule, voire en public _ comme cela a pu se faire avec une certaine réussite. Le style de Proust avec ses longues phrases serpentant jusqu’au plus profond des impressions et des sentiments humains ne laissait pas imaginer une adaptation théâtrale. Jean Bellorini démontre le contraire.

Chaises et cube

« Un instant », le titre du spectacle signifie que loin de s’étendre sur les 3 000 pages du volume, le metteur en scène s’attache aux premières feuilles. L’évocation des années d’enfance, concentrées là sur l’aïeule de l’écrivain, est suffisamment dense pour une mise en scène. On y retrouve la patte de deux complices de Jean Bellorini, le comédien Camille de la Guillonnière, et Macha Makeïeff qui signe les costumes et le décor.

*Un décor à l’univers onirique. (Photo Pascal Victor/ArtComPress)*

D’abord en sourdine, la voix de Léo Ferré monte progressivement. « Avec le temps… » Dans le clair-obscur d’un espace qui tient du hangar ou d’une église désaffectée, tout un amoncellement de chaises, qui en en fond de scène monte jusqu’aux cintres. Côté jardin, une verrière ; côté cour, en suspension une pièce cubique accessible par une échelle. Eclairée et tapissée de rouge, elle représente la salle ou se réfugiait Marcel Proust, enfant. Tout cela crée commun univers onirique, un siège des souvenirs, dont l’enchevêtrement des chaises vides (symboles des disparus ?) pourrait bien s’assimiler aux circuits des neurones activés par l’exercice mémoriel.

Nem et madeleine

C’est bien à quoi s’est attaché Jean Bellorini en invitant Hélène Patarot à se plonger dans sa propre enfance et à l’évocation de sa propre grand-mère. La comédienne, d’origine vietnamienne, est arrivée en France, à l’âge de trois ans, parmi les réfugiés des « boat people ». Le nem est à l’actrice ce que la madeleine est à Marcel Proust. Là, ce n’est pas la mémoire olfactive et gustative du petit gâteau bombé et rainuré qui déclenche la démarche introspective de l’écrivain. Mais le seul fait de se pencher pour ajuster le bouton d’une bottine. D’un seul coup, l’auteur est envahi par la prise de conscience que sa grand-mère chérie n’est plus.

Le récit personnel d’Hélène Patarot, au cours d’un échange avec Camille de la Guillonnière, donne une atmosphère durasienne à cette introduction. Puis, la langue de Proust monte comme une marée. Excellemment portée par les voix des deux comédiens, elle envahit le plateau et offre, par cette magie inégalable des mots, une communion d’émois et de sensations. Elle touche au cœur et mouille les yeux. Les interventions musicales de Sébastien Trouvé, guitare en direct et (ou) bande enregistrée, s’intègrent subtilement dans ce climat quasi hypnotique où, comme Proust, on se prend à « vouloir convaincre les sceptiques que la mort est une maladie dont on revient »…

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« Un instant », représentations donnée au théâtre de Caen, mardi 26 et mercredi 27 mars 2019.

15 mars 2019Xavier Alexandre Un commentaire

Avec La Loge, comme au salon

Julien Chauvin et son orchestre Le Concert de la Loge ont entraîné le public du théâtre de Caen dans un voyage dans le temps. Son programme « Un soir, aux Tuileries » s’est inspiré de ce que préconisait la formation, dont il a repris le nom. A l’exception de l’adjectif initial, « Olympique » devenu chasse gardée d’un certain comité sportif (1). Ce Concert de la Loge, version XVIIIe siècle, a « révolutionné » la formule des auditions, en mêlant musique symphonique, airs d’opéra, musique de chambre. Tout cela crée une proximité, proche d’un salon entre amis.

*Les musiciennes et musiciens du Concert de La Loge. (Photo Franck Juery).*

Créé en 1783 par le comte d’Ogny, le Concert de la Loge Olympique compte parmi les meilleurs orchestres d’Europe. Il est fort de 65 musiciens, parmi lesquels aussi bien des professionnels que des amateurs, des compositeurs et des éditeurs. Mais tous d’un niveau, à partir duquel vont se formaliser et s’unifier les méthodes d’enseignement adoptées par le premier conservatoire de musique, celui de Paris.

Ces précisions historiques sont apportées par Julien Chauvin. Il intervient ainsi au cours du programme, troquant son violon contre un micro. Et d’abord pour parler de Joseph Haydn, le compositeur star en ce dernier tiers du XVIIIe siècle. Non le Haydn des quatuors, dont Julien Chauvin et son quatuor Cambini-Paris se sont engagés à jouer l’intégrale, ici même à Caen ; mais le Haydn des symphonies.

Un petit nom à trouver

Parmi celles-ci, il en est six, qui répondent à une commande de la Loge Olympique. On les appelle « Les Parisiennes », avec cette particularité qu’on leur a donné un petit nom. « La Reine », « La Poule », « L’Ours » ont été ainsi enregistrées par la formation de Julien Chauvin. Le but est d’en graver l’intégrale. La Symphonie n°87 est la prochaine sur les rangs. Mais, elle n’a pas d’autre appellation. Un appel aux idées est lancé dans la salle, relayé sur le site internet de La Loge.

Les quatre mouvements de cette symphonie sont répartis sur le programme de la soirée, de quoi relancer les méninges. Le « Vivace » qui ouvre et cette 87^e et le concert a de quoi stimuler les imaginations. Il est pétillant, contraste de sonorités avec une rythmique régulièrement relancée par une partie des pupitres des cordes. Les deux derniers mouvements qui clôtureront la soirée confirmeront la qualité d’ensemble guidé par l’archet de Julien Chauvin.

Comme au jazz

L’orchestre enchaîne ensuite avec deux mouvements de la 4^e Symphonie concertante de François Devienne (1759-1803). Flûte, hautbois, basson et cor vont ainsi tenir à tour de rôle (puis ensemble) une place de soliste. Comme dans les concerts de jazz, où le public a coutume d’applaudir les passages en solo. Cela se faisait aussi au XVIIIe siècle, précise Julien Chauvin. Il y a un moment propice pour cela dans le deuxième mouvement.

Après un instant de flottement, on a visé juste ! Avec ce sentiment de surprise d’avoir enfreint une règle bien établie depuis. On en connaît qui, en d’autres circonstances, se serait retourné avec un regard furieux… C’est une autre règle qu’ont contournée Antonio Sacchini (1730-1786) et Jean-Baptiste Lemoyne (1751-1796) en adaptant en opéra les tragédies respectivement du « Cid » et de « Phèdre ».

La voix de Sophie Karthäuser

C’était là empiéter sur les plates-bandes de la Comédie Française, jalouse de son répertoire. On ne sait comment ces compositeurs ont rusé. Mais le résultat est là, avec deux échantillons chantés (2) par la souriante Sophie Karthäuser. La soprano belge s’est déjà produite à Caen avec l’ensemble Correspondances de Sébastien Daucé dans un programme Michel de Lalande. C’était en 2016.

*Sophie Karthäuser (Photo Molina Visuals).*

Sa tessiture mozartienne lui sied bien dans ce programme qui fit la réputation d’Antoinette de Saint-Huberty, la cantatrice en vogue à l’époque. Glück (« Fortune ennemie », air tiré d’ « Orphée et Eurydice ») ; Vogel (Âge d’or Ô bel âge » du « Démophon ») ; Grétry (« Ô sort par tes noires fureurs » des « Mariages Samnites ») complètent ce panorama vocal empli de sentiments poignants et (ou) orageux. Il est servi par une voix précise et expressive.

Il n’était pas rare, indique Julien Chauvin, que l’on joue deux à trois un air qui plaisait bien avant d’enchaîner la suite de l’œuvre. Aujourd’hui, on préfère la tradition du bis. Elle vaut à nouveau d’entendre « Il va venir, c’est Phèdre qui l’attend » de Lemoyne par la voix de Sophie Karthäuser. Une pépite qui conclut ce concert chaleureux, à l’image de cette formation attachante et complice.

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(1) En créant son ensemble orchestral, en 1975, Julien Chauvin avait repris le nom complet de cette formation de 1783. Cela lui a attiré les foudres du Comité olympique français, qui n’a pas été très fair-play en la matière et obtenu que le terme « olympique » soit retiré à La Loge.

(2) Le Concert de la Loge a joué les deux opéras : « Chimène ou Le Cid » d’Antonio Sacchini, dans une mise en scène de Sandrine Anglade ; « Phèdre » de Jean-Baptiste Lemoyne, dans une mise en scène de Marc Paquien.

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« Un soir d’opéra aux Tuileries », concert donné jeudi 14 mars 2019, au théâtre de Caen, par Le Concert de la Loge.

14 mars 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

« Heptaméron, histoires d’amour à mort

Même si son nom a été attribué à un lycée d’Alençon (1), Marguerite de Navarre (1492-1549) demeure une écrivaine méconnue. Son frère cadet, François 1^er, lui fait toujours de l’ombre. Le politique l’emporte sur la femme de lettres. En amoureux de la langue française Benjamin Lazar remet en perspective la place de celle qui fut la protectrice de Rabelais. Avec le concours de la compagnie des « Cris de Paris », le metteur en scène jette des ponts entre les récits de son « Heptaméron » et les chants de la Renaissance italienne, à l’aube de l’opéra.

Avec Benjamin Lazar, on n’est jamais à bout de nos surprises. S’il s’intéresse à Marguerite de Navarre, c’est parce que la « dixième Muse », comme on l’a dénommée en son temps, a laissé une grande œuvre poétique et théâtrale, qu’expédia pourtant en quelques lignes le Lagarde et Michard des lycéens « babyboomers ». Or, on lui doit une langue aussi nette que raffinée qui pose les jalons du classicisme français (2).

« L’Heptaméron » se calque sur le modèle de dix fois dix nouvelles du « Décameron » de Giovanni Boccacio (1313-1375), sauf que Marguerite de Navarre, rattrapée par la mort, n’a pu dépasser les 71 récits en sept chapitres. L’ouvrage prend prétexte de pluies diluviennes qui contraignent un groupe d’hommes et de femmes à rester confinés dans une abbaye. Pour se distraire, entre deux offices religieux, chacun y va de son histoire.

Sept nouvelles jalonnent le spectacle « Heptaméron, récits de la chambre obscure », cinq sont de Marguerite de Navarre, une est issue de l’œuvre de Boccace, la septième est adaptée de « Vies des dames illustres » de Brantôme (1537-1614). Une scène en pente, percée de trappes ; en fond, un rideau translucide et ondulé ; côté cour, une double échelle ; côté jardin, accrochés à un portant, plusieurs instruments de musique : le décor est conçu comme une métaphore de l’imaginaire (la camera obscura des peintres), aiguillonné aussi bien par des fictions que par des situations oniriques, dont on sait qu’elles peuvent abolir les frontières du temps et de l’espace.

*Des mots et des chants. (Photo Simon Gosselin)*

Le silence de l’introduction est rompu par le bruit des pas de jeunes gens, tels des étudiants. Ils disposent sur la scène des feuilles de papier, textes et partitions ( ?), tandis qu’un écran diffuse des images de fortes intempéries. Cheveux longs bouclés, jean et chemise de bûcheron ceinte autour de la taille, une comédienne (Fanny Blondeau) évoque avec les mots de Marguerite de Navarre le sort tragique d’une muletière qui refusa de céder aux assauts d’un valet.

A voix nues

Ce conte en ouvre d’autres. D’amours véritables, eux, mais contrariés sinon punis. On ne plaisante pas avec l’ordre social, surtout si c’est une femme qui le transgresse. A la beauté du style, Marguerite de Navarre offre une réflexion que ne manqueraient de se saisir les féministes d’aujourd’hui. En contrepoint de ces récits, Geoffroy Jourdain, directeur musical des Cris de Paris, a sélectionné des madrigaux de compositeurs italiens (Monteverdi, Rossi, Gesulado…). Les guerres d’Italie (victoire à Marignan, 1515 ; défaite à Pavie, dix ans plus tard) ont aussi contribué à développer le mouvement de la Renaissance italienne en France.

*Des récits aux fins tragiques… avec en échos des madrigaux superbement chantés par les interprètes des Cris de Paris. Photo Simon Gosselin).*

Ces madrigaux sont autant de plaintes portés à voix nues par huit chanteuses et chanteurs dans un équilibre de timbres finement soupesé. Et si on a tendance à retenir les voix de soprano _ mention quand même à Michiko Takahashi _, il faut saluer l’excellence du baryton-basse Virgile Ancely qui apporte une ligne grave magnifique. Le chanteur faisait partie de la distribution de l’ « Orfeo » de Rossi par l’Ensemble Pygmalion, vu au théâtre de Caen, il y a deux ans.

Entre veille et sommeil

Cette alternance de contes et de chants est bousculée par les interventions singulières de Geoffrey Carey. Silhouette longiligne, allure de professeur distrait, il raconte des histoires à dormir debout, de celles qui, entre veille et sommeil, vous transportent dans un monde loufoque. Ainsi d’un canard, ou plutôt d’une canne, dont son personnage est tombé amoureux ; ou de la façon d’attraper des lézards avec un miroir. Il parle même de salamandre. On n’y voit pas un hasard. C’était l’emblème de François 1^er.

*Geoffrey Carey et Fanny Blondeau, les conteurs (Photo Simon Gosselin).*

La chambre obscure, par analogie à la pièce réservée au repos nocturne, invite au rêve. L’atmosphère créée par la mise en scène de Benjamin Lazar y contribue avec notamment des intermèdes dans une langue aussi étrangère qu’étrange. Par delà les fins dramatiques des contes _ les histoires d’amour finissent mal en général, dit la chanson _, il y a entre les mots de Marguerite de Navarre et la poésie des madrigaux une musicalité qui fonde à la fois l’originalité et la réussite de ce spectacle.

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(1) Marguerite de Navarre fut en premières noces l’épouse de Charles IV, duc d’Alençon.

(2) L’édit de Villers-Côterets (1539) a fait du français la langue officielle du royaume.

« Heptaméron, récits de la chambre obscure » par le Théâtre de l’Incrédule et Les Cris de Paris, spectacle donné mardi 12 et mercredi 13 mars 2019, au théâtre de Caen. « ,newColor: »n

12 mars 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

Brahms, l’émotion au bout des doigts

En associant un piano à un trio à cordes, Johannes Brahms a composé trois merveilleux quatuors, inscrits au Panthéon de la musique de chambre. L’intégrale de ces chefs d’œuvre a été interprétée au théâtre de Caen par des solistes de haut niveau, le pianiste Jean-François Heisser ; l’altiste Miguel Da Silva ; le violoncelliste Christophe Coin ; et, benjamin de cette bande des quatre, le violoniste Pierre Fouchenneret. Près de deux heures et demie de musique pure saluées au final par des salves d’applaudissements.

C’est la rencontre de la maturité et de la jeunesse. Jean-François Heisser a un parcours riche d’expériences, tant comme pianiste, chef d’orchestre ou pédagogue. Miguel Da Silva est un des fondateurs du prestigieux Quatuor Isaÿe. On ne présente plus à Caen l’enfant du pays Christophe Coin à la belle carrière de gambiste et de chef d’orchestre également. Pierre Fouchenneret s’intègre parfaitement dans cette équipe d’aînés.

Pour qui suivent le Festival de Pâques de Deauville, pépinière de jeunes talents sur laquelle veille son directeur Yves Petit de Voize, le violoniste n’est plus un inconnu. On a pu y admirer depuis plusieurs années la finesse et la subtilité de son jeu. Les cheveux moussus toujours un peu fous et, cette fois, une barbe de loup de mer, l’artiste se distingue aussi par des audaces toujours maîtrisées.

Un répertoire affûté

Chambriste affirmé, Pierre Fouchenneret est déjà un bon connaisseur de la musique de Brahms. Avec ses amis du festival deauvillais et de son ancrage parisien qu’est la Fondation Singer-Polignac, le violoniste a enregistré l’an dernier ces quatuors de Brahms. Avec, à ses côtés, l’altiste Lise Berthaud, le violoncelliste François Salque, et le pianiste Eric Le Sage. Le cédé est paru chez B. Records, le label du Festival de Pâques de Deauville.

Ce disque fait partie d’un projet plus vaste qui est d’aborder toute la musique de chambre de Brahms, en concerts publics enregistrés. D’autres musiciens de leurs générations y sont associés, sous l’égide de la Belle Saison, un réseau d’une vingtaine de théâtres et salles de concert en France, dont le Trident, à Cherbourg.

Jeux de phrases musicales

On ne s’étonne pas Jean-François Heisser, Christophe Coin et Miguel Da Silva aient pu accueillir Pierre Fouchenneret parmi eux. Une connivence qui commence par un sourire. Au moment de s’installer sur scène, le violoncelliste s’aperçoit qu’il a oublié ses lunettes dans sa loge. Le temps qu’il revienne, Miguel Da Silva lui prend son instrument pour jouer quelques mesures d’une sonate de Bach ; puis propose son alto au pianiste qui refuse prudemment…

Le ton est donné. Mais le port léonin et imperturbable de Jean-François Heisser ramène aussi au cœur du sujet : Brahms. Ils sont interprétés dans leur ordre inverse de leur chronologie. Les deux premiers sont en fait de la même année, 1861 ; le n°1 opus 25 a été créé avec Clara Schumann au piano. On retient du troisième, l’opus 60, ébauché semble-t-il en 1856 pour n’être définitif qu’en 1875, l’expression d’un amour inaccessible. Celui que Brahms éprouvait pour l’épouse de son ami compositeur Robert Schumann.

C’est peut être aussi des trois quatuors le plus méconnu. Mais par delà ces sentiments romantiques, la musique de Brahms saisit toujours par ces jeux de phrases musicales que s’échangent ou se répondent en écho les instruments. Il y a là une construction fascinante, que mettent en place les interprètes avec des accompagnements et (ou) des passages de relais d’une précision redoutable. Un sourire, un mouvement des yeux, un hochement de tête assurent cette complicité.

Le résultat est somptueux de couleurs, de nuances, de volumes orchestraux parfois. Avec des sonorités qui restent dans la tête dont, bien sûr, le motif du dernier mouvement du quatuor n°1, qui conclut le concert. Ce Rondo à la Zingarese, pétri de danses slaves, est un bijou, dont chaque instrument révèle les facettes, en particulier le piano et le violon rivalisant de virtuosité. Une bouffée jubilatoire au terme de ces palettes d’émotion révélées du bout des doigts.

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Concert donné le samedi 9 mars 2019, au théâtre de Caen.

8 mars 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

« Thyeste », sous le soleil noir de la barbarie

Avec « Thyeste », l’audacieux metteur en scène Thomas Jolly offre à découvrir une des tragédies les plus sinistres de l’histoire. On la doit au philosophe latin Sénèque. Il est difficile de rester stoïque devant le déferlement de cruauté que suggère cette pièce. Elle a été la grande affiche de la Cour d’honneur du dernier festival d’Avignon. Accueilli actuellement au théâtre Caen, le spectacle conserve cette force à couper le souffle.

Les retrouvailles des deux frères, Thyeste (Damien Avice) et Altrée (Thomas Jolly). Jusqu’ici tout va bien… (Photo Jean-Louis Fernandez).

Il y aura quatre ans à la fin de l’année, Thomas Jolly faisait sensation au théâtre de Caen avec « Henri VI » de Shakespeare. C’était juste au moment des attentats du Bataclan. Jouer ou pas, la question s’était posée. Le metteur en scène avait répondu positivement dans un texte exemplaire de réflexion et de lucidité, avant donc de partager avec le public une aventure théâtrale de dix-huit heures, le temps d’un week-end.

La démesure d’un Shakespeare convient à Thomas Jolly, aussi bien comme comédien que comme metteur en scène. Avec Sénèque, dont le théâtre a bien dû inspirer le dramaturge élisabéthain, l’artiste normand voit encore le moyen d’appuyer là où ça fait mal, quand l’humain perd son humanité. L’histoire croule sous les exemples et ça n’est pas fini.

Thyeste dans son palais d’Argos sous une main géante (Photo Jean-Louis Fernandez).

Thomas Jolly endosse le rôle d’Atrée, frère jumeau de Thyeste, auquel il prépare une incroyable vengeance. Il faut dire que sur la famille pèse une lourde hérédité de violence. Pelops, leur père qui n’était pas un modèle de vertu, n’en avait pas été moins sacrifié par son propre géniteur. Tantale, leur grand-père donc, l’avait mitonné pour le servir aux dieux venus banqueter chez lui !

La malédiction de Tantale

Mal lui en avait pris. Frappé de damnation, Tantale avait été expédié au Tartare condamné à souffrir de soif et de faim. Dès qu’un steak, des fruits ou de l’eau fraîche apparaissaient à portée de main, ces aliments s’éloignaient irrémédiablement. C’est cette malédiction qui introduit la pièce. Tel un Dark Vador, à la voix de stentor, Eric Challier est ce Tantale racontant ses malheurs.

Le ton est donné. L’atmosphère est pesante, accentuée par deux sculptures monumentales, une tête couchée bouche ouverte et une main, par une musique tenace aussi, dominée par les percussions. S’y succèdent des monologues descriptifs par les voix : rauque de la Furie (Annie Mercier), longue chevelure en bataille, robe tachée de sang, maquillage outrancier ; « rapeuse » (1) d’Emeline Frémont, en sweat et kilt, qui représente à elle seule le chœur dans une chorégraphie de traits de lumière; presque doucereuse du Messager (Lamya Regragui).

Annie Mercier incarne une Furie pousse-au-crime (Photo Jean-Louis Fernandez).

Les récits racontent comment Thyeste a séduit la femme d’Altrée et l’a persuadée de voler la toison d’or dans les étables de son mari. La possession d’un bélier ainsi paré était la condition décidée par Jupiter pour prétendre au trône du royaume d’Argos que se disputaient les deux frères. La tricherie de Thyeste n’est pas du goût de Jupiter. Pour le signifier, le dieu ordonne au soleil de faire demi-tour. Atrée prend le pouvoir et envoie son frère en exil.

Double couronne

Et volte face, on croit le roi d’Argos retrouver ses repères moraux. Il fait revenir Thyeste (Damien Avice). C’est un homme dépenaillé, flanqué de ses enfants, qui se présente, mi sceptique, mi rassuré, devant Atrée, attitude jupitérienne magnanime dans son costume jaune. Le souverain offre de partager la couronne. Poussé par la candeur de ses enfants, Thyeste accepte. Avec ses nouveaux habits, il devient la copie conforme de son frère.

Ce caractère gémellaire ajoute au trouble des relations entre les deux frères (1), dont le paroxysme est ce banquet final, infernal, largement éclairé. On sait par la voix du messager que les enfants de Thyeste ont été tués par leur oncle. Leur père se repaît d’un repas dont il ne soupçonne pas l’origine des mets et des breuvages. Avec un cynisme assumé _ il offre une couronne de fleurs que lui-même porte _ Atrée lui distille la vérité au compte-gouttes.

Sommet tragique

La confrontation entre Thomas Jolly et Damien Avice constitue un sommet, non seulement par le déroulé de la pièce, mais, et surtout par la force dramatique que les deux comédiens insufflent. La musique se tait. Le propos amène d’Atrée fait froid dans le dos, qui va entraîner chez Thyeste un cri silencieux d’abattement. Tête contre tête, allongés sur la table du banquer, les deux hommes n’ont de cesse de se renvoyer la responsabilité de cette situation indicible.

Le banquet infernal vers lequel Altrée a entraîné son frère Thyeste est glaçant d’horreur. Pas Tout est suggéré ce qui rend la scène encore plus forte. (Photo Jean-Louis Fernandez).

La nuit retombe sur le royaume d’Argos. La contamination de la malédiction familiale va se poursuivre selon la prophétie de la Furie. On sort sonné de ce cauchemar sismique, avec l’image têtue de ce banquet et ces immenses sculptures symboliques des infanticides. Sous des effets de science fiction, ce bien mauvais rêve n’en renvoie pas moins aux cruautés qui jalonnent la ronde chaotique de la planète.

« Thyeste » par la Piccola Familia. Représentations au théâtre de Caen, mercredi 6, jeudi 7 et vendredi 8 mars 2019.

(1) La très pertinente traduction de Florence Dupont joue un rôle important dans la scansion du texte de Sénèque (4 av. JC-65 ap. JC).
(2) Pierre Niney a été un temps rapproché pour tenir le rôle de Thyeste. Mais le comédien avait des projets de cinéma. Sa ressemblance avec Thomas Jolly aurait encore ajouté à ce trouble.

5 mars 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

« Der Freischütz »: des balles et une morale

Grande première au théâtre de Caen, avec la création du « Freischütz » de Carl Maria von Weber (1786-1826) par l’Insula orchestra et le chœur Accentus, sous la direction de Laurence Equilbey. Mise en scène par Clément Debailleul et Raphaël Navarra, cette coproduction de la scène caennaise et de l’Opéra de Rouen notamment bénéficie d’une distribution internationale de premier ordre. Une tournée européenne l’attend jusqu’à l’automne.

Dernier acte, le Bien triomphe. Max bénéficie d’une clémence. Il a été manipulé, mais il devra attendre un an pour prendre la main d’Agathe. (Photo Julien Benhamou);

Hector Berlioz, dont on célèbre cette année le 150^e anniversaire de sa disparition, ne cachait pas son admiration pour « Der Freischütz » (« Le Franc-tireur). Il considérait l’œuvre de von Weber comme le fondement même de l’opéra romantique. Pour faire connaître l’œuvre en France, le compositeur des « Troyens » alla même jusqu’à transformer la partie parlée _ proscrite par les tenants du lyrique français _ en récitatifs (1).

Inspirée d’un conte allemand du XVe siècle, l’œuvre réunit nombre d’éléments qui caractérisent le romantisme. L’épreuve, l’amour, le doute, le destin s’y mêlent dans une ambiance de fantastique exacerbé par un paysage forestier, dont la seule évocation de certains lieux _ la Gorge aux Loups _ suscite l’effroi. Les cors au fond des bois y participent.

Pianiste virtuose et de compositeur, von Weber, dont la cousine Constance est alors la veuve de Mozart, prend la direction musicale de l’opéra de Dresde. On est en 1817. Il entame la composition du « Freischütz ». Il l’entreprend comme une réplique à l’impérialisme de l’opéra italien, qui domine en Europe. La première a lieu à Berlin, en 1821.

Pacte diabolique

Max, jeune chasseur, doit réussir un concours de tir devant le prince Ottokar. En dépend son mariage avec la douce Agathe et la charge de garde-chasse confiée jusqu’alors à son futur beau-père, Kuno. Usant de stratagèmes, Kaspar, autre chasseur aux griffes en fait du démoniaque Samiel, fait miroiter l’avantage de balles magiques.

Pour Max, c’est l’assurance de réussite ; pour Kaspar le moyen d’obtenir encore un sursis sur terre. Mais sur les sept balles coulées au cours d’un rituel nocturne sous l’œil du malin, six obéissent au tireur. La septième dépend du bon vouloir du diable. Pressentiments funestes, magie noire, monde maléfique créent cette atmosphère faustienne, que contribue à développer la compagnie rouennaise 14 :20.

Agathe (Johanni Van Oostrum, au centre) et Annchen (Chiara Skerath), deux complicités aux tempéraments opposés. Ici avec Max (Tuomas Katajala). Photo Julien Benhamou.

Manipulateur de balles lumineuses, comme autant de feux-follets, Clément Dazin incarne un Samiel aussi silencieux qu’inquiétant. Par le jeu d’hologrammes, de vidéos, d’évolutions en apesanteur, spectres et visions agitées viennent hanter les personnages aux costumes austères. Il y a comme une référence bergmanienne à la mise en scène en clair-obscur de Clément Debailleul et Raphaël Navarro.

Des effets de visions fantastiques ajoutent à la dimension hallucinatoire de l’opéra. (Photo Julien Benhamou).

La réfléchie et la joyeuse

Face au duo pernicieux formé par Max et ce Kaspar de la nuit, il y a celui fragile et rafraîchissant d’Agathe et de sa cousine Aennchen (Annette). La première ne cache pas ses angoisses tandis que la seconde fait preuve d’un caractère joyeux. Dans cette confrontation contrastée, les deux sopranos, Johanni Van Oostrum et Chira Skerath excellent.

La Sud-africaine incarne une Agatha aux accents doux avec ce voile aussi ténu que tenace d’une fragilité extériorisée. Ses solos aimantent. Il n’est que t’entendre son air du premier tableau de l’acte 2, qui se termine par « all meine Pulse schlagen » (mon pouls bat à tout rompre). On y retrouve la fameuse mélodie qui conclut l’ouverture de l’opéra.

Port de tête à la Audrey Hepburn, la chanteuse belgo-suisse exprime par sa voix soyeuse un tempérament solaire, bien utile dans cette ambiance lourde de menaces. Les manigances de Kaspar n’y sont pas pour rien. La carrure de Vladimir Baykov, ajoutée à son timbre saisissant de baryton basse confère une autorité à laquelle cède Max.

Pas si libre Max

Le ténor finlandais Tuomas Kajatala tient le rôle du jeune homme. Il exprime subtilement toute l’ambiguïté de son personnage, tireur pas si franc. S’il consent à cette liberté surveillée par Samiel, c’est dans l’espoir de s’assurer le cœur d’Agatha et gagner l’estime de Kuno. On avait déjà été séduit par le chanteur dans « La Flûte enchantée » de Mozart par les Talens lyriques de Christophe Rousset dans une mise en scène de David Lescot. C’était en décembre 2017. Tuomas Katajala interprètait Tamino.

L’Ermite (Christian Immler) éclaire par sa sagesse l’issue heureuse du « Freischütz ». (Photo Julien Benhamou.

Là, le Max qu’il incarne doit bien avouer sa ruse quand Agathe échappe à la septième balle diabolique, protégée qu’elle est par la couronne de roses que lui a confiée l’Ermite. C’est Kaspar qui en est la victime. Dans cette lutte du bien et du mal, c’est bien la parole du sage qui prévaut. Il convainc le prince de réduire très largement la sanction qu’il réserve au jeune chanteur.

On a sans doute déjà beaucoup écrit sur la couleur musicale du « Freischütz » très proche de la symphonie. Weber utilise tout l’éventail des instruments, avec un rôle bien déterminé pour les vents et les bois. Laurence Equilbey s’y trouve comme dans son jardin à la tête de son Insula Orchestra. Sa direction animée insufle une force enthousiasmante.

Envolées

Les interventions de son chœur Accentus sont impeccables de précision et offrent un équilibre vocal exemplaire. Elles ajoutent aux scènes, où se dévoilent visuellement des formes de subconscient, cette dimension de fantastique attisée par des éclairages qui font mouche.

On sera juste un peu réservé par le jonglage des balles éclairantes, qui tend parfois à détourner l’attention portée au chant. De même les moyens d’apesanteur donnent dans le dernier acte de curieuses envolées qui n’ont rien de lyriques. Ainsi on voit Johanni Van Oostrum saisie par un curieux saut de carpe . Et Christian Immler, par ailleurs parfait dans le rôle d’Ermite, ne semble pas très à l’aise dès que ses pieds quittent le sol !

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Représentations données au théâtre de Caen, vendredi 1er et dimanche 3 mars 2019.

Les 7 et 8 mars, au Grand Théâtre de Provence, à Aix : le 18 mars à Bruxelles (version concert) ; le 22 mars, à Vienne, Autriche (version concert) ; du 12 au 14 juillet, au festival Ludwigsburg, Allemagne ; le 19 juillet à Beaune (versipn concert) ; du 4 au 6 octobre, au Grand Théâtre du Luxembourg ; les 19, 21 et 23 octobre, au Théâtre des Champs-Elysées, Paris ; les 13, 15 et 17 novembre, à Opéra de Rouen Normandie.

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(1). Se référer à l’excellente émission de Christian Merlin, « Au cœur de l’orchestre, du dimanche 3 mars sur France-Musique ; également sur la même chaîne, à celle d « Arabesques » de François-Xavier Szymczak du lundi 4 mars.

7 février 2019Xavier Alexandre Aucun commentaire

« Le Nain » et les autres…

Adapté d’un conte d’Oscar Wilde, « Le Nain » est un opéra dense et cruel d’Alexander Von Zemlinsky, écrit en 1922. On redécouvre ce compositeur autrichien qui fut le professeur de Schönberg et Berg et connut la solitude de l’exil. Sur la scène du théâtre de Caen, la mise en scène lumineuse de Daniel Jeanneteau sert une partition indissolublement liée à la tension dramatique. La jeune équipe d’interprètes et l’Orchestre régional de Normandie rivalisent d’engagement.

Le Nain (Mathias Vidal) découvre la cruauté de sa situation face à l’infante Donna Clara (Jennifer Courcier) et sa camériste Ghita (Julie Robard-Gendre). Photo: F. Iovino.

Bien sûr le titre de la nouvelle d’Oscar Wilde, « L’anniversaire de l’infante » fait penser au tableau de Diego Velasquez « La famille de Philippe IV », plus connu sous le nom « Las Meninas » (Les Menines). Y figurent auprès de la famille royale deux personnages atteints de nanisme. Si l’opéra de Zemlinsky se situe à la Cour d’Espagne, la production accueillie au théâtre de Caen évite toute historicité.

Plus proche de l’esprit de l’œuvre _ l’amour impossible entre un contrefait et une belle _ la mise en scène de Daniel Janneteau s’attache à la qualité d’un texte surligné part une musique saisissante. Le décor sobre et élégant, attractif comme une vitrine illuminée, offre une vision frontale, directe avec le nœud du drame.

Pour l’anniversaire de l’infante, Donna Clara, quatre caméristes s’affairent autour des préparatifs, sous les ordres du chambellan, Don Estoban. Les commentaires vont bon train sur les cadeaux, notamment celui du Sultan, qui envoie un nain, tel un joujou. On sait de lui qu’il n’a pas conscience de sa difformité, n’ayant jamais croisé un miroir. Au surplus, il prend les rires qu’il suscite pour des amabilités, voire des compliments sur son allure, et non pour des moqueries.

D’où son caractère gai. Et pour le conserver, Don Estoban fait couvrir tout ce qui pourrait renvoyer son image. Telles des gouvernantes d’hôtel de luxe tirées à quatre épingle avec chignon, tailleur sombre et hauts talons, les caméristes doivent faire front à la suite de l’infante, poussée par la curiosité.

Joueuses et effrontées, l’infante et ses demoiselles d’honneur ne veulent plus attendre de voir les cadeaux d’anniversaire. Photo: F. Iovino.

Rieuses et indisciplinées, elles n’ont de cesse de vouloir découvrir avant l’heure bijoux et cadeaux. La princesse n’est pas la dernière à entraîner ses demoiselles d’honneur, ses menines, comme sorties pour un bal des débutantes, aigrettes et robes longues. Cette confrontation anti protocolaire n’est pas sans donner quelques sueurs froides au chambellan, qui se voit plus près de l’exil que de l’augmentation.

En fait, la révélation du Nain détourne puis concentre toutes les attentions. Silhouette gracile, accentuée par la taille rehaussée des autres personnages, talons aiguille ou chaussures compensées, il est comme un enfant sauvage débarqué dans un monde dont il ignore les codes. Cheveux mal peignés, baskets, blouson de survêtement et jean, vit son arrivée comme un rêve devant cette princesse sophistiquée, aimable comme une enfant devant son beau joujou.

S’instaure un jeu pernicieux, que ne mesure pas la princesse Clara elle-même dans sa candeur insensible. Jeu de nain, jeu de vilain (e), est-on tenté de dire, tant le malheureux est manipulé aux dépens de sa sincérité totale. Lui est tombé amoureux de l’infante, désire l’enlacer. Elle, elle s’en amuse et s’en lasse.

Pour se défaire de cette situation embarrassante et ambigüe, Ghita, la camériste préférée de Donna Clara précipite les choses. C’est l’heure de vérité avec le vaste miroir qui soudain occupe le fond de scène. Le Nain se refuse à se découvrir tel. Face à face au destin fatal, le dialogue entre Jennifer Courcier (l’infante) et Mathias Vidal (le Nain) offre une montée en tension poignante.

Le livret de Georg C. Klaren, qui écrivit aussi pour Alfred Hitchcock (« Mary », un film germano-britannique de 1931), participe de cette intensité par sa finesse psychologique. La musique expressionniste de Zemlinsky fait large place aux cuivres, bois et percussions, alternant sentiments de douleurs et de désespoir avec naïveté et futilité cruelles.

L’orchestre régional de Normandie est une formation de chambre, mais dans cette transcription adaptée, il éclate de tous ses feux. Franck Ollu, à la baguette, semble même devoir tempérer un enthousiasme en fosse qui pourrait tenir de la compétition. Car sur scène, on ne ménage pas sa voix, en particulier le ténor Mathias Vidal pour exprimer le désarroi de son personnage qui n’y survit pas.

Aux côtés de la soprano Jennifer Courcier, Julie Robard-Gendre (Ghita) confirme les qualités vocales déjà remarquées par la critique. Paul Gay incarne un chambellan impressionnant. Autour de ces solistes, on apprécie les interventions des choristes. Elles contribuent à la cohérence d’un opéra, dont l’accord final tombe comme un couperet. Le jouet est cassé. La princesse va danser.

« Le Nain » (Der Zwerg), production de l’Opéra de Lille. Coproduction : Opéra de Rennes, Théâtre de Caen, Fondation Royaumont. Représentations données au théâtre de Caen, mardi 5 et vendredi 7 février 2019. n0 \lsd