En ces temps de morosité que tente de conjurer une flamme olympique nomade, le spectacle de clôture (ou presque) la saison du théâtre de Caen, a vertu à stimuler les zygomatiques. « Le Carnaval baroque » imaginé par Vincent Dumestre et son Poème Harmonique associe musique, farce et acrobaties. La mise en scène haute en couleurs de Cécile Roussel donne le ton à un vent de folie truculent. Il entraîne dans une Sérénissime en fête, riche de ses compositeurs du XVIe-XVIIe siècles.
Du célèbre roman d’Horace Mc Coy, « On achève bien les chevaux » (1935), le cinéaste Sydney Pollack a tiré une adaptation marquante, en 1969, avec la remarquable Jane Fonda. Le transposer au théâtre était un défi que se sont lancés le chorégraphe Bruno Bouché et les metteurs en scène Clément Hervieu-Léger et Daniel San Pedro. Danseuses et danseurs du Ballet de l’Opéra du Rhin, comédiennes et comédiens de la Compagnie des Petits Champs ont investi la scène du théâtre de Caen dans un tourbillon haletant.
Lire la suite « On achève bien les chevaux », « hippodrame »
Le théâtre de Caen a accueilli le Ballet du Grand Théâtre de Genève pour un double programme signé Sidi Larbi Cherkaoui. Le chorégraphe belgo-marocain est à la tête de cette belle troupe depuis deux ans bientôt. Il y a un contraste entre « Faun », un pas-de-deux inspiré de la musique de Debussy et « Noetic », pièce chorale créée pour la compagnie de l’Opéra de Göteborg (Suède). D’un côté, la mythologie ; de l’autre, une forme de futurisme. Une réalisation magnifique et aussi quelques réserves…
« Noetic »… atmosphérique. (Photo Grégory Batardon).
Version Angelin Preljocaj, « Le Lac des cygnes » tient de l’exploit. Ou comment le chorégraphe réinvente « l’Everest », comme il l’appelle, de Tchaïkovski. Et ce, sans se départir d’un hommage à Marius Petipa, auquel le ballet doit son premier grand succès (1895). Certes, le conte fantastique initial se transmue en fable écologique prégnante. Certes, quelques libertés sont prises avec la partition originale. Pour autant, Preljocaj s’inscrit bien dans une lignée romantique, celle d’une face sombre, exacerbée. Qualité des images, des costumes, des lumières et interprétation de haut niveau, tout concourt à un spectacle exceptionnel. Salué comme tel à la première représentation. C’est au théâtre de Caen jusqu’à dimanche.
Le spectacle phare de Philippe Decouflé et de sa compagnie DCA, « Shazam » est de retour sur la scène du théâtre de Caen. Pas mal d’eau a coulé sous les ponts depuis la première création, vue il y a une bonne vingtaine d’années. Pas facile de démêler les images du souvenir et les impressions du nouveau vu. La surprise n’est plus au rendez-vous. Mais les yeux neufs se sont manifestement régalé. Et c’est bien ça qui compte.
Avec « Franchir la nuit », Rachid Ouramdane propose une vision poétique et sensible du déracinement que vivent les migrants. Premiers touchés par ces épisodes tragiques, les enfants. L’artiste, codirecteur du centre chorégraphique de Grenoble, fait participer des adolescents à chaque étape de la tournée de son spectacle. A Caen, ce sont des élèves du collège Guillaume-de-Normandie qui se sont retrouvés sur scène associés aux quatre danseuses et danseurs de la compagnie. La présence constante de l’eau concoure à une évocation émouvante.
Avec « Kind », la compagnie Peeping Tom boucle sa trilogie familiale, après « Vader » et « Moeder ». La compagnie belge, menée par le couple franco-argentin Gabriela Carrizo et Franck Chartier, ne perd rien de sa causticité dans une évocation cauchemardesque et drôle de l’enfance. On se retrouve à nouveau dans un spectacle inclassable qui tient tout autant du théâtre d’images que de la danse. De la musique aussi via une bande-son finement élaborée et forte en présence. On en sort plutôt groggy.
Photo Oleg Degtiarov
Avec ses « Nouvelles pièces courtes », Philippe Decouflé offre, avec sa compagnie DCA, un florilège de son savoir-faire : ce mélange de drôlerie et d’inventivité, de trompe-l’œil et de poésie. Sur des musiques toniques, les sept interprètes, excellents, se succèdent au fil de scènes où à la danse se mêlent le chant, l’acrobatie et le mime. La formule des sketches permet à tout un chacun d’y piocher ses petits bonheurs.
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Photo Laurent Philippe.
Faire des pieds et des mains, façon chorégraphique, Philippe Decouflé connaît la chanson. En duo, trio, autour d’un piano, danseuse et danseurs ouvrent des variations élégantes, où même un embonpoint assumé se joue de la pesanteur. Julien Ferranti est cet interprète enrobé, qui tient de la silhouette atypique comme a pu être celle au contraire longiligne du regretté Christophe Salengro.
La gracieuse et expressive Violette Wanty en est la partenaire. Elle assure avec lui une sorte de fil conducteur, même si ces pièces courtes sont indépendantes les unes des autres et entraînent dans des univers très différents, avec, souvent, une vidéo complice. La musique de Vivaldi participe à un étrange ballet d’arlequins bariolés, dont les motifs hésitent entre Afrique et Amérique du Sud. Pour passer plus tard à des exercices de barre d’une inventivité délicieuse.
Saisissant aussi, le passage de ces deux danseuses d’abord en contrejour dans une démonstration gestuelle gémellaire, quasi kaléidoscopique. Il faut souligner à ce titre la qualité des éclairages de Begoña Garcia Navas dans les décors graphiques semblables à des lames de stores. Cette qualité se vérifie encore dans les effets d’aurore boréale qui accompagnent l’escarpolette qui envoie en suspension une danseuse. Ce type de figure est un peu la signature de Découflé, dont le spectacle se termine sur un carnet de voyage.
Souvenirs d’une tournée sans doute, cette dernière (pas si) petite pièce décolle vers le Japon. Comme Miles Davis revisitait l’Espagne avec son célèbre enregistrement « Sketches of Spain », Philippe Decouflé donne sa vision du pays du Soleil Levant. Son évocation depuis le départ à l’aéroport s’approche du monde de Jacques Tati, qui n’aurait pas démenti le chorégraphe dans sa perception de la société nipponne, où le vécu se télescope avec les clichés. C’est drôle, un tantinet longuet (la liste des souvenirs…) et rythmé par une bossa nova propre à dérider l’ambiance morose du débat sur les retraites ! Point final (?).
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« Nouvelles pièces courtes », au théâtre de Caen, du mardi 17 au vendredi 20 décembre 2019.
Garcia Navas dans les décors graphiques semblables à des lames de stores. Cette qualité se vérifie encore dans les effets d’aurore boréale qui accompagnent l’escarpolette qui envoie en suspension une danseuse. Ce type de figure est un peu la signature de Découflé, dont le spectacle se termine sur un carnet de voyage.
Souvenirs d’une tournée sans doute, cette dernière (pas si) petite pièce décolle vers le Japon. Comme Miles Davis revisitait l’Espagne avec son célèbre enregistrement « Sketches of Spain », Philippe Decouflé donne sa vision du pays du Soleil Levant. Son évocation depuis le départ à l’aéroport s’approche du monde de Jacques Tati, qui n’aurait pas démenti le chorégraphe dans sa perception de la société nipponne, où le vécu se télescope avec les clichés. C’est drôle, un tantinet longuet (la liste des souvenirs…) et rythmé par une bossa nova propre à dérider l’ambiance morose du débat sur les retraites ! Point or not point ?
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« Nouvelles pièces courtes », au théâtre de Caen, du mardi 17 au vendredi 20 décembre 2019.
A la croisée du cirque et d’un théâtre presque sans paroles, « Scala » entraîne dans une dimension du rêve, dans une sorte de monde en marches. Escaliers, portes et trappes obligent à un singulier parcours, une mise à l’épreuve de la pesanteur accentuée par des objets contrariants, voire hostiles. Cette pièce à sept interprètes signée Yoann Bourgeois oscille entre le drolatique et l’inquiétant. C’était au théâtre de Caen.
Il y a la Scala de Milan. Il y a aussi la Scala de Paris, lieu mythique du music hall, qui a rouvert il y a un peu plus d’un an. C’est à cette occasion, que Yoann Bourgeois a créé ce spectacle. Il reprend le nom de la salle parisienne, « l’escalier » en traduction française.
Artiste représentatif du nouveau cirque, comme Aurélien Bory, Yoann Bourgeois aime à travailler sur le fil de l’équilibre. La psychanalyse aurait sans doute à dire sur les représentations de la chute, de marches. Son univers de « Scala » procède de l’onirisme. Il n’est pas sans évoquer l’imaginaire d’un Marc-Antoine Mathieu (1).
Dans un décor gris souris fait de volées de marches, d’un grand escalier, d’un lit-cage, de portes mal huilées et d’un petit mobilier, apparaît un premier personnage, brusquement avalé par une trappe. Il resurgit balai en main, ou plutôt son double, même chemise à carreaux, même pantalon beige et mêmes tennis blanches. Et le voila encore dupliqué, triplé en prise lui aussi avec un cadre tombé de son support.
Ils sont jusqu’à cinq, rejoints par deux interprètes féminines, comme deux jumelles, short camel et au tee-shirt vert d’eau. Ainsi que des clones, ils évoluent dans un cadre où on risque le faux pas, où à la culbute réplique le rebondissement du trampoline masqué. Où aussi chaises et tables sournoisement pliantes s’affaissent sous le poids de fesses mal informées. Où enfin, un lit hostile évince sans ménagement. Ajoutez des balles sorties d’une commode peu commode dégringolant de marches pour appréhender l’atmosphère quasi kafkaïenne de « Scala ».
La musique de Radiohead participe d’un envoûtement suscité par des séquences répétitives. Ainsi de cette descente d’escalier renouvelée par les interprètes tels des pantins désarticulés. Leurs mouvements remarquablement réalisés semblent répondre à ceux des chaises et table se dérobant. Ils font partie de ces images marquantes dont on retient aussi l’évolution de naïade d’une des interprètes plongée dans une trappe transformée en aquarium.
Cela procède du songe sans doute. Mais ce qui relie « Scala » c’est une forme de ralentissement défiant la gravité. Gestes et mouvements s’attachent à ce dénominateur commun que l’on pourrait qualifier « d’apeselenteur ». Là réside la performance des sept interprètes, autant acrobates que danseurs, à rendre plus douce la chute. Elle atténue mais n’efface pas le trouble d’une conclusion où les personnages se métamorphosent en silhouettes fantomatiques : encapuchonnées pour les uns ; en chrysalides empêtrées dans leurs enveloppes pour les autres. Troublant.
« Scala », représentations données mercredi 13 et jeudi 14 novembre 2019, au théâtre de Caen.
Compagnie de San Francisco, le Lines Ballet se place dans le peloton de tête de l’art chorégraphique d’aujourd’hui. Héritier de Balanchine et de Forsythe, son directeur artistique Alonzo King associe à la danse néo-classique une inventivité saisissante. Deux de ses récentes créations étaient présentées au théâtre de Caen. « Art of songs » et « Figures of Speech » ont soulevé l’enthousiasme du public.
D’entrée, ce qui frappe avec le Lines Ballet, c’est la qualité plastique de ses interprètes. Silhouettes fuselées, musculatures affûtées, tenues sobres sinon dépouillées, danseuses et danseurs offrent une gestuelle impeccable de liaisons et d’enchaînements. Portée par la voix enregistrée de la mezzo-soprano israélienne Maya Lahyadi, la musique de Bach se love à des suites d’arabesques, avant une succession de pas de deux.
On mesure à quel point bien des partitions du Cantor _ hors son imposant répertoire sacré _ invitent à la danse. Cela reste vrai d’ailleurs pour nombre d’œuvres baroques, avec leur touche d’allégresse contrastant avec des conditions de vie qu’on ne sait plus imaginer aujourd’hui.
L’exacerbation des sentiments trouve aussi son répondant chorégraphique. Les ballets romantiques y excellent. Bien antérieure, la musique d’Henry Purcell inspire à Alonzo King un autre pas de deux, second volet de cet « Art of Songs ». Le célèbre air de la plainte de Didon, tirée de l’opéra « Didon et Enée » du compositeur anglais, fait évoluer un couple tout de sensualité retenue. Telle une liane, la danseuse pourrait être l’arrière petite fille de Joséphine Baker, tandis que son partenaire ajoute à l’émotion par la délicatesse de ses accompagnements et de ses portés.
Avec « Figures of speech », Alonzo King se fait l’avocat des 7 000 langues au monde menacées d’extinction. Il est des parlers comme des espèces animales ou végétales. Ils ne sont pas à l’abri de disparition. Et ce n’est pas le moindre paradoxe des « progrès » de l’humanité que de porter atteinte à cette richesse.
Sur un échantillon d’idiomes collectés dans des communautés indigènes, le chorégraphe et le poète Bob Holman donnent à entendre ces dialectes par les voix respectives des danseuses et danseurs. Leurs mouvements élégamment aboutis interfèrent avec composition musicale et sons jusqu’à un final magnifique. Sur fond de scène, les interprètes forment une chaîne. Le principe est répété avec, à chaque reprise, des postures et attitudes différentes.
L’effet est étonnant, comme un signal à la diversité. Si la danse peut être un langage universel, ça n’est pas de l’esperanto. Avec Alonzo King, elle fait sens avec le concours des arts sonores et musicaux. Une autre démonstration en est apportée avec « Sutra », un ballet sur percussions indiennes. Il a suscité le même enthousiasme du public. Voire plus…
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« Art Songs » et « Figures Of Speech”, spectacle donné le vendredi 17 mai 2019, au théâtre de Caen ; « Sutra », le dimanche mai 2019, toujours au théâtre de Caen.