Catégorie : Theâtre

Y’a pas de doutes, c’est bien du Devos ! François Morel régale le public du théâtre de Caen dans un hommage aussi filial que personnel au géant belge. Sa venue sur la scène caennaise est chargée d’une émotion particulière. Le comédien couronné récemment par un Molière y célébrait mardi la centième représentation de son spectacle. Et c’est dans cette même salle, que l’étudiant en arts du spectacle qu’il était à la fac de Caen, a découvert les Zouc, Guy Bedos et… Raymond Devos.

Raymond Devos avait l’art de pousser les mots jusqu’à l’absurde avec une évidence qu’il savait débusquer comme nul autre. Avec à la clé, un fou-rire garanti. L’artiste s’inscrivait dans une lignée, dans laquelle on peut associer tout à trac l’équipe des Branquignols, Pierre Dac et Francis Blanche, Poiret et Serrault, mais aussi un autre Raymond, le Queneau des « Exercices de style ».

Toute une crème comique, qui savait monter les mots en neige, les faire mousser à partir d’un rien, même trois fois rien. Ainsi d’une expression courante dès lors à bon compte fructifiée. Devos a régné en maître sur cette planète. Il était bien normal que Dieu lui-même le convoquât, via Saint Pierre, pour se désennuyer.

Ce qu’il n’avait pas prévu le Créateur c’est que notre Devos, guère dévot, ne pouvait dès lors plus douter de l’existence du Très Haut. Lequel, magnanime, renvoie sur terre le clown belge. François Morel introduit ainsi son spectacle. En Commandeur orageux, il raconte sa divine rencontre avec Raymond Devos, lui-même. De quoi, en un sens, rester interdit.

Costume sombre et nœud papillon noir, chaussettes rouges, comme son alter ego Antoine Sahler, pianiste à la voix haute et traînante, François Morel investit l’univers de son maître. Il n’en emprunte pas la voix, mais suit la voie (vous voyez ?) de ses textes à l’infernale logique. Ah l’exercice des « Sens dessus dessous » à vous donner le tournis !

Le comédien ressuscite les sketches fameux du fabuleux jongleur de mots _ « Mon chien c’est quelqu’un », « Caen » évidemment ( !), « Je zappe » jusqu’au magnifiquement cruel « J’ai des doutes », qui donne son titre au spectacle. Et au passage, la « Musique caressante » qui en a fait un Devos acteur dans le « Pierrot le fou » de Godard.

D’enchaînement en enchaînement, avec la complicité pianistique _ mais pas que _ d’Antoine Sahler, François Morel s’approprie le monde de Devos. Le Deschiens apparaît en surface pour des moments désopilants avec « Le clou » et surtout le numéro musico-éthylique de « La truite », aux lointains échos de « L’eau ferrugineuse » de Bourvil ou de « La pub du gin » d’Henri Salvador.

Tel un fantôme bienveillant, Devos, représenté par une marionnette, se fait entendre. Ce sont des extraits de la mythique émission de Jacques Chancel, « Radioscopie ». Des mots simples et touchants sur le rire et sa nécessité. Introduits puis relayés par la chanson « Je hais les haies… qui nous emmurent et les murs qui sont en nous ».

Là encore, Devos troussait des poèmes fulgurants. Des sortes de haïkus drolatiques. On n’en attendait pas moins de cet homme à la silhouette de sumo et au maquillage de scène très japonisant. C’est tout cela que reconstitue François Morel avec son style parsemé de trouvailles sensibles, telles ces quelques notes d’ouverture sur l’air du « Clown » de Gianni Esposito.

Et d’un clown à l’autre, on participe de cette folie jubilatoire. Sor…tilège de l’humour.

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« J’ai des doutes », représentations au théâtre de Caen, du mardi 11 au dimanche 16 juin. A guichet fermé. Mais il est rare que quelques places ne se libèrent pas. Rens. 02 31 30 48 00.

Après avoir affronté avec succès « Les Frères Karamazov », le roman-fleuve de Dostoïevski, Jean Bellorini revient à Caen avec un autre exploit : porter au théâtre l’écriture de Marcel Proust. Certes, il ne s’agit que des premières pages de « La recherche du temps perdu », où l’auteur évoque la mort de sa grand-mère. Placée en regard des propres souvenirs de la comédienne Hélène Patarot, rescapée des « boat people », l’introspection proustienne est partagée avec le comédien Camille de la Guillonière. Le spectacle offre une réflexion poignante et pénétrante sur la disparition d’un être cher.

La chance sourit aux audacieux, dit-on. Jean Bellorini est de ces metteurs en scène qui osent. Avec discernement. Une fois de plus, le directeur du Théâtre Gérard-Philipe, à Saint-Denis, convainc. Comme il avait pu le faire avec « La Bonne Âme du Se-Tchouan » de Bertold Brecht, puis « Karamazov », accueillis au théâtre de Caen, respectivement en janvier 2015 et en décembre 2016. C’est lui aussi, qui a réalisé la mise en scène de l’opéra « Rodelinda » par le Concert d’Astrée d’Emmanuelle Haïm, vu en début de cette saison 2018-2019.

Franchement, on pensait le monument de la littérature qu’est « La Recherche » réservé à la lecture seule, voire en public _ comme cela a pu se faire avec une certaine réussite. Le style de Proust avec ses longues phrases serpentant jusqu’au plus profond des impressions et des sentiments humains ne laissait pas imaginer une adaptation théâtrale. Jean Bellorini démontre le contraire.

Chaises et cube

« Un instant », le titre du spectacle signifie que loin de s’étendre sur les 3 000 pages du volume, le metteur en scène s’attache aux premières feuilles. L’évocation des années d’enfance, concentrées là sur l’aïeule de l’écrivain, est suffisamment dense pour une mise en scène. On y retrouve la patte de deux complices de Jean Bellorini, le comédien Camille de la Guillonnière, et Macha Makeïeff qui signe les costumes et le décor.

D’abord en sourdine, la voix de Léo Ferré monte progressivement. « Avec le temps… » Dans le clair-obscur d’un espace qui tient du hangar ou d’une église désaffectée, tout un amoncellement de chaises, qui en en fond de scène monte jusqu’aux cintres. Côté jardin, une verrière ; côté cour, en suspension une pièce cubique accessible par une échelle. Eclairée et tapissée de rouge, elle représente la salle ou se réfugiait Marcel Proust, enfant. Tout cela crée commun univers onirique, un siège des souvenirs, dont l’enchevêtrement des chaises vides (symboles des disparus ?) pourrait bien s’assimiler aux circuits des neurones activés par l’exercice mémoriel.

Nem et madeleine

C’est bien à quoi s’est attaché Jean Bellorini en invitant Hélène Patarot à se plonger dans sa propre enfance et à l’évocation de  sa propre grand-mère. La comédienne, d’origine vietnamienne, est arrivée en France, à l’âge de trois ans, parmi les réfugiés des « boat people ». Le nem est à l’actrice ce que la madeleine est à Marcel Proust. Là, ce n’est pas la mémoire olfactive et gustative du petit gâteau bombé et rainuré qui déclenche la démarche introspective de l’écrivain. Mais le seul fait de se pencher pour ajuster le bouton d’une bottine. D’un seul coup, l’auteur est envahi par la prise de conscience que sa grand-mère chérie n’est plus.

Le récit personnel d’Hélène Patarot, au cours d’un échange avec Camille de la Guillonnière, donne une atmosphère durasienne à cette introduction. Puis, la langue de Proust monte comme une marée. Excellemment portée par les voix des deux comédiens, elle envahit le plateau et offre, par cette magie inégalable des mots, une communion d’émois et de sensations. Elle touche au cœur et mouille les yeux. Les interventions musicales de Sébastien Trouvé, guitare en direct et (ou) bande enregistrée, s’intègrent subtilement dans ce climat quasi hypnotique où, comme Proust, on se prend à « vouloir convaincre les sceptiques que la mort est une maladie dont on revient »…

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« Un instant », représentations donnée au théâtre de Caen, mardi 26 et mercredi 27 mars 2019.

Avec « Thyeste », l’audacieux metteur en scène Thomas Jolly offre à découvrir une des tragédies les plus sinistres de l’histoire. On la doit au philosophe latin Sénèque. Il est difficile de rester stoïque devant le déferlement de cruauté que suggère cette pièce. Elle a été la grande affiche de la Cour d’honneur du dernier festival d’Avignon. Accueilli actuellement au théâtre Caen, le spectacle conserve cette force à couper le souffle.

Il y aura quatre ans à la fin de l’année, Thomas Jolly faisait sensation au théâtre de Caen avec « Henri VI » de Shakespeare. C’était juste au moment des attentats du Bataclan. Jouer ou pas, la question s’était posée. Le metteur en scène avait répondu positivement dans un texte exemplaire de réflexion et de lucidité, avant donc de partager avec le public une aventure théâtrale de dix-huit heures, le temps d’un week-end.

La démesure d’un Shakespeare convient à Thomas Jolly, aussi bien comme comédien que comme metteur en scène. Avec Sénèque, dont le théâtre a bien dû inspirer le dramaturge élisabéthain, l’artiste normand voit encore le moyen d’appuyer là où ça fait mal, quand l’humain perd son humanité. L’histoire croule sous les exemples et ça n’est pas fini.

Thomas Jolly endosse le rôle d’Atrée, frère jumeau de Thyeste, auquel il prépare une incroyable vengeance. Il faut dire que sur la famille pèse une lourde hérédité de violence. Pelops, leur père qui n’était pas un modèle de vertu, n’en avait pas été moins sacrifié par son propre géniteur. Tantale, leur grand-père donc, l’avait mitonné pour le servir aux dieux venus banqueter chez lui !

La malédiction de Tantale

Mal lui en avait pris. Frappé de damnation, Tantale avait été expédié au Tartare condamné à souffrir de soif et de faim. Dès qu’un steak, des fruits ou de l’eau fraîche apparaissaient à portée de main, ces aliments s’éloignaient irrémédiablement. C’est cette malédiction qui introduit la pièce. Tel un  Dark Vador, à la voix de stentor, Eric Challier est ce Tantale racontant ses malheurs.

Le ton est donné. L’atmosphère est pesante, accentuée par deux sculptures monumentales, une tête couchée bouche ouverte et une main, par une musique tenace aussi, dominée par les percussions. S’y succèdent des monologues descriptifs par les voix : rauque de la Furie (Annie Mercier), longue chevelure en bataille, robe tachée de sang, maquillage outrancier ; « rapeuse » (1) d’Emeline Frémont, en sweat et kilt, qui représente à elle seule le chœur dans une chorégraphie de traits de lumière; presque doucereuse du Messager (Lamya Regragui).

Les récits racontent comment Thyeste a séduit la femme d’Altrée et l’a persuadée de voler la toison d’or dans les étables de son mari. La possession d’un bélier ainsi paré était la condition décidée par Jupiter pour prétendre au trône du royaume d’Argos que se disputaient les deux frères. La tricherie de Thyeste n’est pas du goût de Jupiter. Pour le signifier, le dieu ordonne au soleil de faire demi-tour. Atrée prend le pouvoir et envoie son frère en exil.

Double couronne

Et volte face, on croit le roi d’Argos retrouver ses repères moraux. Il fait revenir Thyeste (Damien Avice). C’est un homme dépenaillé, flanqué de ses enfants, qui se présente, mi sceptique, mi rassuré, devant Atrée, attitude jupitérienne magnanime dans son costume jaune. Le souverain offre de partager la couronne. Poussé par la candeur de ses enfants, Thyeste accepte. Avec ses nouveaux habits, il devient la copie conforme de son frère.

Ce caractère gémellaire ajoute au trouble des relations entre les deux frères (1), dont le paroxysme est ce banquet final, infernal, largement éclairé. On sait par la voix du messager que les enfants de Thyeste ont été tués par leur oncle. Leur père se repaît d’un repas dont il ne soupçonne pas l’origine des mets et des breuvages. Avec un cynisme assumé _ il offre une couronne de fleurs que lui-même porte _ Atrée lui distille la vérité au compte-gouttes.

Sommet tragique

La confrontation entre Thomas Jolly et Damien Avice constitue un sommet, non seulement par le déroulé de la pièce, mais, et surtout par la force dramatique que les deux comédiens insufflent. La musique se tait. Le propos amène d’Atrée fait froid dans le dos, qui va entraîner chez Thyeste un cri silencieux d’abattement. Tête contre tête, allongés sur la table du banquer, les deux hommes n’ont de cesse de se renvoyer la responsabilité de cette situation indicible.

La nuit retombe sur le royaume d’Argos. La contamination de la malédiction familiale va se poursuivre selon la prophétie de la Furie. On sort sonné de ce cauchemar sismique, avec l’image têtue de ce banquet et ces immenses sculptures symboliques des infanticides. Sous des effets de science fiction, ce bien mauvais rêve n’en renvoie pas moins aux cruautés qui jalonnent la ronde chaotique de la planète.

« Thyeste » par la Piccola Familia. Représentations au théâtre de Caen, mercredi  6, jeudi 7 et vendredi 8 mars 2019.

• (1) La très pertinente traduction de Florence Dupont joue un rôle important dans la scansion du texte de Sénèque (4 av. JC-65 ap. JC).
• (2) Pierre Niney a été un temps rapproché pour tenir le rôle de Thyeste. Mais le comédien avait des projets de cinéma. Sa ressemblance avec Thomas Jolly aurait encore ajouté à ce trouble.

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Le  théâtre de Caen accueille, jusqu’à samedi, « Le Triomphe de l’Amour » de Marivaux dans une mise en scène de Denis Podalydès. Le spectacle créé aux Bouffes du Nord fait l’objet d’une longue tournée. C’est son seul passage en Normandie. L’occasion est trop belle pour ne pas manquer cette démonstration ciselée du désir amoureux et du jeu de la séduction. Où la naïveté peut tromper et aussi se méprendre.

Après « Les Fourberies de Scapin », c’est une nouvelle mise en scène de Denis Podalydès qui se présente au théâtre de Caen. Cette fois le sociétaire de la Comédie Française ne s’est pas entouré de consœurs  et confrères de la Maison de Molière, mais d’une équipe d’acteurs, dont une partie appartient à la « bande de Versailles » de son cinéaste de frère, Bruno. S’y ajoute le violoncelliste Christophe Coin, natif de Caen, dont on connaît la belle carrière de soliste et de chef d’orchestre.

« Le Triomphe de l’Amour » n’est pas la pièce la plus jouée de Marivaux. Sa première représentation, en 1732, avait été fraîchement reçue. On ne comprenait pas qu’une princesse puisse se travestir pour conquérir le cœur d’un jeune homme et troubler à la fois celui d’un philosophe et de la sœur de ce dernier ! Même transposée dans une Sparte imaginaire, la comédie n’avait pas emporté d’adhésion du public, qui s’est rattrapé ensuite.

Racine en modèle

Il faut revenir à l’intérêt qu’y porte Denis Podalydès. Le comédien du Français s’attache à la passion de portait Marivaux à Racine, à la façon dont le dramaturge décrit le trouble amoureux et les ravages qu’il peut provoquer. Si l’auteur du « Triomphe » ne versifie pas comme son prestigieux aîné, ni ne verse dans la tragédie, on ne peut que les rapprocher sur leurs qualités stylistiques et leur art dans la description des méandres sentimentaux.

En cela, « Le Triomphe de l’Amour » est un grand bonheur d’écriture classique où se glissent avec une aisance élégante les imparfaits du subjonctif. On est aux antipodes des « tweets » réducteurs de pensée, qui ne prétendent pas, il est vrai, à la forme théâtrale… Mais la force de désaccoutumance à ce mode d’expression du XVIIIe siècle freine sans doute au départ l’appréhension de l’intrigue, ajoutée au phrasé un peu timide des deux comédiennes, Leslie Menu et Edwige Baily.La première est cette princesse Léonide, qui, sous des habits masculins, se présente sous le nom de Phocion.

Elle est accompagnée de sa suivante, Corine, qui, elle aussi déguisée en homme, répond à celui d’Hermidas. Léonide a un but politique, réunifier son royaume par le retour d’un prince exilé, Agis. Le déchu vit chez Hermocrate. Le philosophe a créé une petite société à l’écart du monde. Lui et sa sœur, Léontine, célibataire sage et résignée, vivent des choses de l’esprit. L’amour n’y a pas sa place.

Une cabane de jardin dans une nature isolée entourée d’eau symbolise le refuge d’Hermocrate. Les costumes de Christian Lacroix renvoient explicitement au siècle de Marivaux. En revanche, on peut voir dans le décor signé Eric Ruf (autre complice des « Fourberies ») une référence à certaines communautés « écolos » au radicalisme teintée d’utopie. Et  c’est là que débarquent Léonide-Phocéon et Corine-Hermidas.

Le code des appeaux

Leur premier contact est assez brutal par la personne du jardinier Dimas puis du valet Arlequin. L’un est aussi massif que l’autre est agile. Tous deux devinent vite le stratagème de « Phocéon », qui sait monnayer leur complicité. Ainsi dans ce manège d’approches et de rencontres communiquent-ils en soufflant dans des appeaux. Les cris d’oiseaux n’étonnent pas en ces lieux. Mais leur imitation intervient comme un code pour éviter tout télescopage de personnages.

Le leurre est à la manœuvre dans ce jeu de dupes. Si Léonide est innocente en amour, elle éprouve vite les usages de l’inclination. Et finit bien par faire franchir cet  « océan » chanté par Pierre Vassilui, qui « va de l’ami à l’amant ». Mais, ce faisant, après avoir élargi son champ de séduction et de flatterie, elle va laisser sur le carreau à la fois Hermocrate, auquel Léonide avoue son vrai sexe ; et Léontine, trompée, elle, par la travestie en Phocéon.

Cette soudaine découverte qui fait s’effondrer les illusions du philosophe et de sa sœur est l’aboutissement comique d’une montée en puissance de l’intrigue. La tête décontenancée d’Agis, qui n’a pas encore compris l’intention de Léonide, ajoute à la drôlerie de la scène. Quand même l’innocence de la princesse ne tournerait-elle pas, malgré elle, à une forme de perversité. Cinquante ans avant « Cosi fan tutte » de Mozart et les « Liaisons dangereuses » de Choderlos de Laclos, Marivaux ouvre une voie.

Plaisir et chagrin

Outre les intermèdes musicaux de Christophe Coin au violoncelle, Denis Podalydès fait chanter, de façon un peu anachronique, la romance « Plaisir d’amour ». « Qui ne dure qu’un moment », alors que « chagrin d’amour dure toute la vie ». Il faut y voir une prémonition pour Hermocrate et Léontine, excellemment interprétés par Philippe Duclos, grand échalas tout ébaubi et Stéphane Excoffier, passée de la pruderie confuse à l’enthousiasme extatique

Chevelure léonine, Thibault Vinçon incarne un Agis encore interloqué par la tournure des événements, auxquels Dimas et Arlequin apportent un contrepoint hautement facétieux. Jardinier au franc parler picard mâtiné de « ch’ti », Dominique Parent projette l’ombre d’un satyre à la délicatesse éléphantesque, tandis que Jean-Noël Brouté évolue tel un feu-follet trublion. A leurs côtés, Leslie Menu et Edwige Baily retrouvent la noblesse et le rang de leurs personnages, en dépit leur singulière machination.

Représentations au théâtre de Caen, mardi 22, mercredi 23, jeudi 24, vendredi 25 et samedi 26 janvier 2019. A 20 h. Renseignements : 02 31 30 48 00.

La troupe dela Comédie française termine au théâtre de Caen une tournée avec « Les Fourberies de Scapin » dans une mise en scène de Denis Podalydès. L’esprit de Molière qui souffle dans l’illustre maison se trouve là merveilleusement ravivé sous la conduite de Benjamin Lavernhe et de Didier Sandre. En Scapin et en Géronte, les deux comédiens forment un duo détonant. A voir jusqu’à vendredi.

 Un fond de cale, l’escalier d’une jetée en bois, un panier à crustacés, un palan; en arrièreplan, la grande reproduction d’une marine avec une galiote, voiles déployées. On est dans le port de Naples, où le retour prématuré de leurs pères respectifs, Arganteet Géronte, menace les situations d’Octave et de Léandre. Les deux jeunes gens savent les intentions paternelles d’un mariage arrangé pour l’un comme pour l’autre.

Or Octave a déjà bravé l’autorité du géniteur. Il a épousé la belle Hyacinthe. Léandre  est, lui, amoureux de Zerbinette, une jolie diseuse de bonne aventure. Il persuade Scapin, son valet, de leur venir en aide. L’idée est de soutirer de l’argent aux deux pères pour assurer aux deux couples une position conforme à leurs amours. Seulement, Argante et Géronte sont comme des camarades de promotion d’Harpagon : de véritables grippe-sous.

 Le filou de Scapin déploie tous ses talents de bonimenteurs pour embobiner les vieux. A Géronte, le plus dur à la détente, il sort une histoire d’enlèvement et de rançon, qui vaut de la bouche du parcimonieux cette lamentation fameuse : « Que diable allait-il faire dans cette galère ? » Léandre et Scapin sont censé savoir répondu à l’invitationde monter sur un navire turc. A leur insu, le bateau s’est éloigné du port. Le valet a été lâché sur une petite embarcation avec pour mission de revenir sans délai avec de l’argent.

Scapin fait payer les atermoiements de Géronte  par quelques solides corrections. Il convainc le père de Léandre de se cacher dansun grand sac, au prétexte qu’on cherche à lui régler son compte, Puis, il fait croire que ces poursuivants soupçonnent sa présence pour dépoussiérer la toile de  jute à grands coups de bâtons! L’énergie incroyable de Benjamin Lavernhe en Scapin efflanqué fait monter la scène à des sommets comiques.

Denis Podalydès en déploie tous les ressorts. Ils vont des procédés de  la commedia dell’arte aux trouvailles d’un Charlie Chaplin et autres mimiques d’un Louis de Funès. En passant par les méthodes de Guignol. On se retrouve devant le castelet du marionnettiste, quand le comédien invite le public à appeler Géronte ou lorsqu’il confie le bâton à un enfant du premier rang.

L’excellent Didier Sandre incarne le malheureux Géronte, dont l’embonpoint n’amortit que peu les agressions répétées. Jamais deux sans trois. C’est quand même à la troisième reprise que, suspicieux de la réalité d’une patrouille de spadassins,il sort du sac la tête toute meurtrie. Scapin ne s’en aperçoit pas tout desuite, concentré qu’il est à imiter bruits et voix…

Avec ce Scapin, Molière s’est en quelque sorte lâché, inspiré dit-on par la personnalité de Scaramouche. Le bandit napolitain fait partie de ces héros populaires qui jalonnent l’histoire. Ils sont, plus ou moins fantasmés, ces redresseurs de torts, aux dépens des puissants. En ce sens, le bourgeois Géronte n’est pas ménagé. Molière ajoute une deuxième couche d’humiliation.

 C’est  Zerbinette qui s’en charge. En toute innocence, car elle ignore l’identité de l’infortuné (il a été délesté de 500 écus !). Campée par  Elise Lhomeau, elle lui dévoile, avec abondance de rires en cascade, le stratagème dont il est victime. Somme toute, comme il faut bien une fin, les deux couples se trouvent assortis, ainsi qu’Argante et Géronte le souhaitaient

 Sans douteMolière a-t-il expédié la conclusion de l’histoire. Il est à deux ans de la fin de sa vie quand il écrit Les Fourberies avec un Scapin que rien n’arrête. L’auteur se plaît à secouer les tabous sur le mariage en plaçant d’entrée une union libre. De même, il confère à Zerbinette une personnalité de jeune femme affranchie. Il se découvre à la fin qu’elle est la fille même d’Argante enlevée il y a des années par des pirates égyptiens. Ce qui a précipité le consentement de son père.

De tous ses aspects, Denis Podalydès se joue avec gourmandise au fil de tableaux irréprochables. Y contribuent la scénographie du patron, Eric Ruf, les costumes signés Christian Lacroix, sous les lumières subtiles de Stéphanie Daniel. Bref, la qualité Comédie française à laquelle participent les rôle tenus par Birane Ba (Octave) ;Bakary Sangaré (Silvestre) ; Gilles David (Argante) ; Jennifer Decker(Hyacinthe) ; Jean Chevalier (Léandre) ; Maïka Louakairim (Carle) ;Aude Rouanet (Nérine).

Représentations données au théâtre de Caen, du mardi 11 au vendredi 14 décembre 2018.

Célèbre film de François Truffaut, « Le dernier métro » est un hommage du cinéma au théâtre. Le metteur en scène franco-suisse Dorian Rossel rend la pareille en transposant le film sur les planches. Le spectacle vient d’être accueilli au théâtre de Caen. Autant on avait été séduit par son adaptation de « Voyage à Tokyo »  du cinéaste japonais Yasujiro Ozu, autant cette nouvelle production laisse un sentiment mitigé.

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Bartabas a planté le chapiteau de son théâtre équestre Zingaro à la Colline aux oiseaux. Quatre ans après son troublant et trépidant « Calacas », le célèbre et singulier maître de manège ouvre à nouveau la saison du théâtre de Caen. « Ex Anima » offre un spectacle tout à la fois insolite et captivant, dont les chevaux sont les héros. A voir jusqu’au 25 octobre.

 (Photo Marion Tubiana) Lire la suite Zingaro: danse avec les chevaux